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Natalia Vearr

El arte contemporáneo tuvo una cita ineludible la semana pasada en Madrid por la celebracion de las tres ferias con más relevancia del panorama español en la capital. En torno a la ya consagradísima feria internacional de arte contemporáneo, ARCOmadrid, se da cita a dos jóvenes encuentros alternativos que fomentan el arte emergente, ArtMadrid y JustMad. Para las tres ferias la asistencia es de lo más variado y hetereogénea, desde estudiantes de bellas artes y/o historia del arte, pasando por artistas emergentes y/o consagrados, hasta coleccionistas de alto standing, pudiendo coincidir con personajes famosos.

La apuesta y el riesgo de cada una de ellas ha sido personalizado y propio de los mismos expositores.

Arco Joge Magyaroff Colombia

 

Miguel Magyaroff (Colombia), Obra "Work in progress".

 

 

ARCOmadrid2015, ha generado una visual pintoresca y colorida, un tanto pop, apostado gratamente por las instalaciones y esculturas, pero sin dejar de ser prudente y puramente dedicado al coleccionismo tradicional y elitista, en un plano muy general. Pero ciertas salvedades hicieron del paseo por los pabellones 7 y 9 de Ifema, algo diferentes y atractivo. Colombia dio un brillo muy acertado en su primer año como país invitado y supo mostrar a Madrid el talento de los creativos y gestores colombianos. Una de las obras más comentadas y llamativas fue la de Jorge Magyaroff (Bogotá, 1979) "Work in progress" en la Galería El Museo, con su escenario de botes de pintura desparramando su contenido por baldas y suelo. De las galerías españolas, la sevillana Alarcón Criado se ha sumado a la gran favorita con obras tan destacadas e impactantes como la del artista suizo Nicolas Grospierre (Genova, 1971), con su obra "The Library. Never-ending corridor of books", que aunque escondida su descubrimiento no deja indiferente al espectador, como una puerta inaccesible a un pasillo interminable de estanterías con libros. Helgar de Alvear (Madrid), ha creado el stand más vivaz y atrevido, con la monumental escultura de la artista Katharina Grosse (Berlin, 1961). De las más rompedora y transgresoras fue la galería salmantina, Adora Calvo. Al madrileño Rafael Macarron, le volvimos a ver con su peculiar pintura, de la mano de la santaderina Galería Juan Silió.

Arco The Library

Nicolas Grospierre (Suiza), Obra "The Library. Never-ending corridor of books"

 

 

En la sección dedicada a las revista de arte, pudimos reencontrarnos y conversar con Latamuda, PAC y Arteyparte, entre otras. Matadero, presentaba su 10 aniversario con un concepto de rejuvenecimiento del proyecto y nuevas iniciativas, como and arte_diseño, proyecto piloto arrancado en ARCOmadrid para hacer más visible el diseño del mobiliario dentro de la feria.

 

Como andaluces, no pudimos dejar de pasar por el stand de la Diputación de Huelva, con la exposición colectiva ELEMENTAL de 16 artistas onubensas, con una presentación que no solo se podría visualizar, sino también pisar, lo que rompía en standard de exposición. Y por supuesto, en el stand donde se hacia eco la inminente apertura del Centre Pompidou de Málaga.

 

Además del recinto de Ifema, se pueden visitar diferentes exposición en diversos espacios, como el Museo del Prado, el Thyssen o el Instituto Cervantes, donde acogen programaciones paralelas centradas en Colombia.

Arco Katharina Grosse Helgar de Alvear

Katharina Grosse (Alemania), en la Galería Helgar de Alvear (Madrid)

 

 

ArtMadrid'15, ubicada en la galería de cristal de CentroCentro, acogía una gran cantidad y calidad de obras más palpables y coherentes. Obras en las que la visión del artista era evidente, con una lectura y un sentido muy próximo a lo que el posible comprador desearía. Allí, pudimos gozar de la obra y charlar con Alejadra Atares (Zaragoza, 1987), representada por la barcelonesa Galería Balaguer, con sus retratos de mujeres de espalda rodeadas de un paisaje.

Alejandra Atares ArtMadrid15

Alejadra Atares(Zaragoza), Obra "Primavera"

 

 

 

Mostrando parte del proyecto ya expuesto en Galería La Fábrica (Madrid) hace algunos meses, Miguel Ángel Moreno Carretero (El Carpio, Córdoba, 1980) nos entusiasma con su gran visión de artista experimentado con sus fotografías y esculturas haciendo referencia a la escala de la publicidad.

MA Moreno ArtMadrid15

 

Miguel Ángel Moreno Carretero

 

 

Pero el broche de oro lo añadió la galería lisbonesa Art Lounge Gallery con obras del performance activista, Pimax, que aporta a la muestra la parte inconformistas con la crítica al consumismo.

ArtMadrid15 Pimax

Pimax

 

 

En JustMad6, feria que apoya incondicionalmente el arte emergente, reinaba los proyectos colectivos, como Espacio 101, La Ramona Proyectos de Bogotá, con una muestra del colectivo de artistas componentes. En el panorama nacional, nos topamos con obras del inigualable Alejandro Botubol (Cádiz, 1979) con Espacio Valverde y del joven artista, Miguel Scheroff (Navas de Tolosa, Jaén, 1988), con sus siempre impactactes y reconocibles obras, con la Kir Royal Gallery.

 

Colombia ha sabido aprovechar la oportunidad de ser país invitado, haciendo uso de todos sus recursos y dejando el listón como debe ser, bien alto.

Miguel Scheroff JustMad6

Miguel Scheroff

 

 

 

 

 

 

Desde el miércoles 14 de enero del 2015

Hasta el sábado 28 de febrero del 2015

Exposición: Álbum familiar

Artistas: José Luis Valverde / Javier Valverde, Málaga 1987 / 1991.

Fecha: Del 14 de enero del 2015 al 28 de febrero del 2015 / Inauguración 14/01 a las 20hs. con los artistas presentes

Lugar: Hostel Lacajahabitada. Calle Crédito 20, Sevilla

Horario: de lunes a domingo, durante todo el día. Abierto 24hs

Valverde 1

Continuando la programación de exposiciones de artistas emergentes en el hall del Hostel Lacajahabitada, promovido por Plan Renove, se estrenan por primera vez en una exposición dedica a ellos, los hermanos malagueños José Luis Valverde y Francisco Javier Valverde, además de ser su primera exposición en Sevilla, con un tema en común, como es el concepto de la familia. Un álbum de familia representado desde visiones y estilos pictóricos diferentes, que consiguen aunar en una exposición la conexión artística que les vincula más allá del parentesco. En esas diferencias de producción creativa, hay que señalar, y como ellos mismo revelan, que trabajan en un mismo estudio "espalda con espalda", sin dejar que la pintura del uno interceda en la del otro, y viceversa.

Valverde 2

José Luis desarrolla su trabajo en base a la idea del fragmento, sacado del fotograma, como es el cine, para extraer un gesto o rostro humano. Pero este "trozo" de un instante o momento fotografiado, queda casi irreconocible, constante que se repite en la mayoría de sus obras, por el trato o proceso inicial que realizan con el lienzo. Y es que primero impregna con una capa de color negro, el virgen lienzo, sobre la que realiza, aun fresca, la forma representada con tonalidades frías, gama de colores restringida en los negros y azules.

Valverde 3

Francisco Javier, toma como base los espacios y los objetos de la vida cotidiana y, de este modo, potencia las extrañezas que estos le sugiere. Para ello abstrae el contexto de cada uno de ellos creando sus recónditas escenas, en los que prevalece la tonalidad verde. Escenas, que aun creadas de su imaginación, le traslada a aspectos que le son reconocidos o familiares. La elección del concepto de la exposición ha sido muy acertado, y es que su influencia artística les viene desde pequeños, ya que son hijos y nietos de artistas plásticos, de los que habrán absorbido su inquietud creativa.

Valverde 4

Además de la actual exposición, donde todas las obras están disponibles a la venta, José Luis formó parte, dos días después de la inauguración, de los seleccionados de la propuesta expositiva Bienal Universitaria Andaluza de Creación Plástica Contemporánea, BIUNIC 2015, que tiene lugar en la sala de exposiciones de la Fundación Valentín de Madariaga; y ambos también forman parte del proyecto expositivo "Causa o pretexto", seleccionado en Iniciarte 2013-14 Málaga, que se puede visitar en la Sala de Exposiciones El Palmeral de las Sorpresas hasta el 15 de febrero.

At video games, de Fran Ramírez visitado por Arteensevilla.com.

Arteensevilla.com se acerca a la exposición del jóven artista sevillano.

Desde el miércoles 19 de noviembre del 2014

Hasta el domingo 4 de enero del 2015

Exposición: At video games

Artista: Fram Ramírez,Herrera, Sevilla 1984.

Fecha: Del 19 de noviembre del 2014 al 4 de enero del 2015 / Inauguración 19/11 a las 20hs. con el artista presente

Lugar: Hostel La Cajahabitada. Calle Crédito 20, Sevilla

Horario: de lunes a domingo, durante todo el día.

A modo de expansión de Plan Renove, enfocado a artistas emergentes, se organiza en el hall del Hostel La Cajahabitada en Sevilla la exposición "At video games" de artista Fran Ramírez, (Herrera, Sevilla, 1984), coordinado entre los comisarios Sema D'Acosta y Patricia Bueno, inaugurada el 19 de noviembre.

Aunque a simple vista resulta divertido y atrayente para los amantes de la animación e ilustración, Ramírez canaliza un mensaje en cada uno de sus lienzos y láminas, realizadas en pintura acrílica, óleo, lapíz y rotulador combinados, como crítica de la cultura de consumo a través de los iconos más representativos y popular de la industria norteamericana. Palabras o pequeñas frases que evidencia la intención del artista, se salpican entorno a figuras, en su mayoría de tiernos recuerdos de nuestra niñez, como Micke Mouse, que desempeña el papel más activo y activista, que traducidas al español transforma la apreciación inicial de los retratos infantiles, proporcionandoles una atribución provocadora, a la vez que reflexivo y elocuente. Encontramos erotismo, avaricia, alusión al monopolio, secuestros y desaparecidos, reforzados por la representación de la serie Fargo, critica a la monarquía vitalicia y a la inactividad ecólogica. Todo prohibido, por el deber de ser políticamente correctos, Ramírez homenajea concisamente a Nirvana, con tan sólo las dos escuetas palabras que les penalizaron pronunciar, y que modo de canción escribieron como protesta, Rape me.

Fran Ramírez con esta serie de obras no deja cabo suelto. Habla sin tabues, sin perder los modos o llegar a ser violento o desatinado. Kaws, Banksy o Shepard Fairey están muy presentes en estos dibujos, que cada uno a su manera, plantean con própositos semejantes, y que Ramírez realiza desordenadamente en el papel, simil al cómic y al collage, cuyas imágenes son cercanas y familiares, que nos induce a mirarlas una y otra vez, entreviendo el juicio esbozado por el artista. Su obra, de cualquiera de las maneras, no dejará a nadie indiferente.

 

Desde el viernes 24 de octubre del 2014

Hasta el viernes 28 de noviembre del 2014

Exposición: Arquitecturas inventadas

Artista: Juan Lucena, Córdoba 1987.

Fecha: Del 24 de octubre al 28 de noviembre del 2014 / Inauguración 24/10 a las 20hs. con el artista presente

Lugar: A pie de calle. Plaza Salesiano Don Ubaldo, 69-71, Bloque 1, Local 1, Sevilla

Horario: de lunes a viernes de 11 a 14hs.

Juan Lucena 2

 

Es su primera exposición individual y ha sabido construirla sin temor a derrumbes. “Arquitecturas inventadas” es un proyecto fotográfico que surge en Mannheim (Alemania), donde residió hasta hace unos meses, en sus paseos en solitario por la ciudad mientras contemplaba los atrayentes edificios que le sugerían formas diferentes según la perspectiva del observador. Quizás ensimismado con las imágenes que se agolpaban en su mirada e inventadas en su mente, fue construyendo las imágenes que hoy podemos disfrutar en la muestra, que amplía con su reciente trabajo actualizado con la ciudad de Sevilla.

 

Juan Lucena 3

 

Y es que Lucena no puede dejar de alzar la mirada y huir de esa “trepidante carrera de la monotonía” como explica el comunicador colombiano, Andrés Felipe González, que aporta a la exposición una interesante reflexión sobre el actual proyecto de Juan Lucena. Y es que “caminamos por las calles asumiendo el rol del ciudadano anónimo que debe andar hacia delante sin reparar en el otro. No distinguimos formas ni figuras, sólo obstáculos por esquivar para llegar a nuestra meta: una silla”. La invitación que genera esta muestra es tan sencilla como valiosa, parar y observar, mirar más allá de nuestra línea visual, levantar la mirada y hacer protagonistas de nuestras imágenes diarias a los edificios que crean el entorno de nuestras ciudades. Visualizarlos como obras de arte en sí, al antojo de cada uno, creandolas en el momento exacto.

 

Juan Lucena 4

 

Juan Lucena, cursos sus estudios de grado medio de Laboratorio de imagen en el IES Néstor Almendros en Tomares y el grado superior de Fotografía Artística en la Escuela de Arte de Sevilla, se aventuró a la experiencia de vivir en el extranjero. En Alemania, Lucena se trasforma en una persona atenta y creativa, que no deja pasar desapercido los detalles de la vida y decide dedicar su primer proyecto fotográfico a la más temida de las técnicas fotográficas, la de arquitectura. Añade, además, la conceptualización de una idea, su idea de “Arquitecturas inventadas”.

Arteensevilla.com visita la exposición de Arturo Comas "Todos vamos a morir", Sevilla

Todos vamos a morir, pero al menos disfrutemos antes del humor absurdo como nos proponer el joven fotógrafo sevillano Arturo Comas.

Desde el domigo, 19 de octubre del 2014

Hasta el domingo, 16 de noviembre del 2014

Exposición: Todos vamos a morir. Técnicas: Fotografía

 

Artista: Arturo Comas, Sevilla, 1982

Fecha: Del 19 de octubre al 16 de noviembre del 2014 / Inauguración 19/10 a las 13:04hs. con el artista presente

Lugar: La Sala / c/Aniceto Sánez, esquina Plaza del Pumarejo

Horario: de martes a sábado, a partir de las 20:30hs

 

Plan Renove vuelve a la carga tras el comienzo del curso, en La Sala (antigua sala El Farol), en la Plaza del Pumarejo. Esta vez le toca al fotógrafo Arturo Comas (Sevilla, 1982) que nos presenta su último proyecto fotográfico "Todos vamos a ir", en el cual crea cierta conexión en la misma exposición con proyectos anteriores, como "Auto-rretratos", en el que confluyen grandes artistas del panorama artístico andaluz, y "Desmitificando a los clásicos", donde un Arturo Comas serio e inerte, hace referencia al rechazo del academicismo propio de los impresionistas, con el actual proyecto, que recibe el nombre de la exposición, que formará parte próximamente de Jääl Project en Madrid.

Crea un recorrido en la muestra donde distribuye sus propios autorretratos, rostros inexpresivos y desconcertantes, que aluden a ese humor absurdo tan inconfundible en la obras de Comas, donde juega con los sentidos más ridículos de los objetos; autorretratos de esos voluntarios y amigos que apoyaron el trabajo del fotógrafo colocándose delante de su cámara y sirviéndose de esos objetos cotidianos para generar gran confusión en el modo de en el que son utilizados; y su proyecto "Todos vamos a morir", nuevo y último trabajo donde los protagonistas ya no son las personas y sus retratos, sino que posiciona con caracter y personalidad propia a los objetos trasmitiéndo la misma singularidad inquientante. Pero quizás la parte más inesperada, y personalmente con la que más disfruté, fue la muestra en sí de esos objetos como obras de arte, colgadas en la pared a modo de creación artística, y es que la tenía.

Arturo Comas, licenciado en Bellas Artes y especializado en fotografía contemporánea, no nos deja de sorprender con sus disparatados trabajos, que trae recuerdos adorables de los sketchs de los Monty Phyton. Aún recuerdo cuando lo conocí personalmente y me hablaba de su fotografía, le hice la graciosa reseña de una reloj de pared de "El ministerio de los andares estupidos" de los humorístas Monty Phyton, y mi sorpresa fue cuando se remangó un poco la manga de la camisa y me lo enseñó en su muñeca. Desde estonces Arturo Comas no me ha dejado de sorprender...

 La Sala

Statement de Arturo Comas

Mi trabajo gira en torno al absurdo, como forma de vida y lenguaje para hablar de todo lo que me preocupa. Veo el absurdo como el estado perfecto para ponerlo todo en duda, cuestionar lo que hacemos y nos rodea, desaprender lo aprendido y verlo con ojos nuevos. Realmente no hay nada demasiado importante ni serio, no hay nada certero ni definitivo. Todo es relativo, maleable y sustancialmente sin sentido.

Somos esclavos de lo útil. Reivindico el “hacer para nada”, como experiencia misma, sin mayor propósito.

Vivir una vida absurda como respuesta a su sin sentido.

Martes, 30 Septiembre 2014 00:00

"Sobrecarga", de Ángel Moreno

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La importancia del apoyo a los artistas emergentes es tan necesaria para la definición de su carrera, que marcará el rumbo que tome a partir de ese momento, tan decisivo y, a la vez, tan delicado para ellos, que es el punto de inicio a su vida como creadores de arte y creativos. Los estudiantes y recién egresados de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla cuentan con ese apoyo gracias a la programación expositiva en el Espacio GB, coordinado por un profesor especializado.

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En esta ocasión, la exposición del artista Ángel Moreno (Sevilla, 1991), que se puede visitar en este espacio del 25 de septiembre al 10 de octubre, focaliza una temática tremendamente actual y críticamente acertada, como es la sobrecarga de (des)información con la que nos topamos a diario en la red. Dividida en dos salas, en la muestra hayamos insertados mensajes estandarizados, códigos/palabras del revés descifrables a modo de información, muros comunicativos, líneas simulando cables, información sobreexpuesta creando simil con la saturación y, por supuesto, lo más vinculado al ruido de la información visual expresando en forma de pixeles.

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Todo transmitido en el lienzo con una ingeniosidad abstracta que ya hemos podido comprobar en otra ocasión, como fue el resultado de los primeros preseleccionados en el I Certamen de Arte Emergente celebrado en La Galería Roja en el 2013, en la que igualmente nos dejó fascinados. Manteniendo el hilo de la temática a la que nos traslada el jóven artista sevillano, denotamos fácilmente el exceso de comunicación proporcionada por Internet con miles de ventanitas publicitarias que se insertan en los buscadores o en cualquier tipo de web que visitamos, ya no solamente conteniendo un banner estático que subliminalmente te posiciona donde ellos desean, sino que también insertan, y cada vez con más frecuencia, videos publicitarios, cuya única intención es distraernos o abstraernos de nuestro por qué para con Internet, que es buscar la información que nosotros requerimos.

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Atinando hasta en el título de la muestra, enumero cuales son los sinónimos más próximos al concepto. Pesadez, exceso, excedente, molestia e imposición, tan cercanos a los sentimientos que genera toda está sobreinformación que nos enerva. Descargando la sobrecarga...

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Viernes, 18 Julio 2014 00:00

Sergio Pavón, "La Consagración...

Exposición: La consagración de la naturaleza.

Artista: Sergio Pavón

Lugar: La Galería Roja

Fecha: 29/Mayo – 31/julio

Sergio Pavón (Sevilla, 1976), finaliza con su trilogía de exposiciones dedicadas al mundo natural  con “La consagración de la naturaleza”, poniéndole el broche de oro con esta serie de obras representando el vencimiento de la naturaleza sobre el ser humano. La coherencia y el sentido explicativo del recorrido de la muestra ayuda a entender mejor el mensaje del artista. Destacan las calaveras en blanco y negro dibujadas a grafito, interpretando la muerte humana, sobre la que suele brotar vida vegetal y animal, con lo que el artista brinda homenaje a ese triunfo imaginario de la naturaleza sobre la humanidad, tan destructiva y “boicoteadora”. Se puede ver la reproducción de una diversidad de especies de insectos, plantas y animales, siempre dinámicos y vivos. Por ello, debemos señalar el proceso de trabajo de Sergio Pavón, en series conceptuales, a las que dedica un tiempo de investigación y maduración.

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A lo largo del recorrido de la exposición podemos encontrar fragmentos de textos extraídos de esas investigaciones que hacen advertencia a aspectos de la vida natural, que pueden resultar burlonamente inventadas por el autor para crear cierta controversia. A destacar el texto que hace mención a una característica desconocida de las hormigas, dado que en ciertos momentos de su vida se emborrachan y no puede llegar a realizar bien su trabajo. Las obras de Sergio Pavón están cargadas de simbolismos y referencias, como la que encontramos en la representación de un Buda inexpresivo o de un mono con una mascara de Darwin; reseñando a Boticelli con su “Nacimiento de Venus” y a Stravinski con “La consagración de la primavera”. A Sergio Pavón le interesa que su obra transmita, que no deje indiferente al espectador para bien o para mal, utilizadas como vehículo de comunicación de sus vivencias. Desde temprana edad, alrededor de los 5 años, ya se entretenía dibujando, incluso dejando de jugar porque “era hora de dibujar”, decidido a considerarlo su medio de vida y trasferirlo a sus alumnos. Desde entonces ha añadido al grafito la tinta china y las ceras de colores, confesando sin timidez su obsesión por el dibujo.

Fdo.: Natalia Vera

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