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"Hogares: secretos y vidas" de Teresa Ribuffo

 

Fecha: de 17 abril hasta 31 mayo

Inauguracion 17 de abril

Location: Galeria Weber Lutgen

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Aún tenemos este mes por delante, para disfrutar de la muestra "Hogares: Secretos y vidas", que trae hasta sevilla un poco de aire fresco a su panoráma artístico , aire que llega de la mano de la artista calabresa Teresa Ribuffo.

 

RAE: Blanco : (Del germ. *blank; cf. a. al. ant. blank). 1. adj. Del color que tienen la nieve o la leche. Es el color de la luz solar, no descompuesta en los varios colores del espectro. U. t. c. s.

 

Con la luz el blanco y el aire del mediterráneo, esta artista de marcado corte intimista, logra contarnos las vidas secretas de los otros, logra extrapolarnos, a aquellos recuerdos de esas noches veraniegas en las azoteas andaluzas, donde la ropa tendida, ondea con la leve brisa de las calurosas noches estivales, mientras el grillo pone banda sonora  a esa poética presencia. Recuerdos también de esas mañanas de lavadero, de agua fluyendo y mujeres lavando, con conversaciones, vivencias y chismes. Situaciones costumbristas de marcado carácter tradicional, y fuertes reminiscencias feministas, que inundan toda la obra de esta magnífica artista que lleva por bandera la sensibilidad y la poesía del día a día. Con el blanco como elemento cromático principal sus obras plásticas, pinturas con carácter escultórico en su mayoría, se convierten en pequeños contenedores de vida, de recuerdos, de experiencias, de sensibilidades, a través de lo cotidiano en su representación, prendas que cuentan historias, y sugieren experiencias vividas.

 

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RAE: Secreto (Del lat. secrētum). 1. m. Cosa que cuidadosamente se tiene reservada y oculta. 2. m. Reserva, sigilo. 3. m. Conocimiento que exclusivamente alguien posee de la virtud o propiedades de una cosa o de un procedimiento útil en medicina o en otra ciencia, arte u oficio.

 

La aparente cotidianidad, de esos tendederos que casi huelen a suavizante de colada recién hecha, oculta aquellos secretos que la propia autora sugiere bajo las sombras que genera, esa funda de almohada, que nos habla de noches de amor, lujuria, o llantos. La historia de esa tarde de toros en la Maestranza, con un capote ondeante. Recuerdos de una madre que añora esos primeros días de su hijo, sus primeras vivencias, risas y llantos, a través de un batón titulado Jesús,  una suerte de prendas de marcado carácter andaluz, tamizados por la visión fresca de una calabresa con vivencias hispalenses y corazón mediterráneo.

 

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RAE: Mujer. (Del lat. mulĭer, -ēris) 1. f. Persona del sexo femenino. 2. f. mujer que ha llegado a la pubertad o a la edad adulta. 3. f. mujer que tiene las cualidades consideradas femeninas por excelencia

 

No queda oculto el marcado carácter de género de la obra de Teresa, como es el caso de que pone en evidencia el maltrato a la Mujer, o el recuerdo más que patente, a esa mujer dedicada al hogar, a sus tareas, al lavadero, a su familia, y a ser Mujer con Mayúsculas, un concepto poético nada agresivo, sino más bien cargado e impregnado de poesía y sensibilidad sugerida, no evidenciada.
El tópico y el típico son tamizados y purificados bajo el velo del blanco y la luz y sobre todo, del tiempo.

 

Hogares: secretos y vidas, es como un mueble antiguo de botica, donde cada cajón, cada obra  contiene una historia, una vida, un recuerdo o un sentimiento. Pura vida mediterránea.

 

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“Partiendo del símbolo del hogar, como emblema de refugio e intimidad, Teresa Ribuffo nos convida a ir destejiendo nudos de ausencias y melancolías. Nutriendo su trabajo el “principio de integración psicológica” que Gaston Bachelard da a la imagen de la casa. De forma meticulosa y sutil, el propio empuje onírico de la artista, trae a la memoria su particular búsqueda del alma humana en aquello que percibe. Otorgando importancia a objetos que parecieran no ser relevantes en sí, debido a la sencillez y/o prioridad utilitaria que pueda tener una silla, una cama, etc., pero que dotan de fuerza poética todo su trabajo. Tanto sus cuadros, como sus fotografías y vídeos, evocan lo humano del espacio, el lado íntimo y de ensueño del hogar, de las personas que lo habitan, o lo habitaron. De ahí que su mirada se centre en ropas usadas, o recuerdos (postales, ticket, vinilos, etc.) con los que logra, en palabras de Bachelard,…desandar en nosotros una materia que quiere soñar. A esta, su morada soñada, suma el rastro invisible que dejamos en los recodos de las cosas. Tanteando secretos que desnudan la existencia misma. “  

 

 

“GOD´S PETS”

    El pasado  6 de Febrero, en el Espacio Otra Cosa, tuvo lugar la inauguración de la exposición “GOD´S PETS”, por el artista Iván Marí. Se puede visitar hasta su clausura el día 6 de Marzo.

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    El artista sevillano, Iván Javier Marí Aranda, vive y trabaja en su ciudad natal. En el año 2000, se licencia en Historia del Arte, por la Universidad de Sevilla y seguidamente comienza la Licenciatura de Bellas Artes, especializándose en Restauración de Obras de Arte, por la misma Universidad. Su inicio de carrera de BBAA está notoriamente influenciado por su anterior licenciatura. Mantiene su primer contacto con la pintura a muy temprana edad, empieza utilizando este medio de expresión como método de desahogo personal. Ha participado en varias exposiciones, individuales y colectivas, desde el año 2000. Su obra forma parte de varias colecciones privadas, pero desde hace poco más de un año, Iván considera que por primera vez comparte su trabajo con el público como artista, a pesar de tener una larga trayectoria, durante la cual ha producido obra personal, ya que siempre lo hace de esta manera, sin dejarse influir por nada ni nadie a la hora de trabajar.

 

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    Inspirado en “La Isla del doctor Moreau”, de H.G. Wells, presenta esta serie, compuesta por 60 collages realizados con fragmentos de imágenes de esculturas religiosas de Sevilla, y de animales. Se distinguen dos partes dentro de la muestra, la primera, inicio de esta creación, nos deja ver animales de cuerpo entero (sacados del libro de H.G.Wells), con detalles humanos.  Su trabajo adquiere una evolución, y en la segunda parte de estas imágenes, el autor expone una serie de retratos religiosos fusionados con fragmentos animales. Los collages están presentados sobre fondo blanco, y todas las obras adquieren el mismo tamaño. Para crear ambiente en el espacio, se ha llenado el suelo de paja, instalación que acompaña de manera muy oportuna a las imágenes de la exposición.

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    La obra realizada por el artista, se caracteriza por su espontaneidad de inspiración. Él produce desde un sentimiento interno, guiado por sus propias emociones, utilizando el arte de manera terapéutica y muy personal. Primero canaliza esas emociones y cuando considera el momento oportuno, les da cuerpo, utilizando el arte como herramienta de transformación. Nunca decide cuando enfrentarse al trabajo artístico, una sensación, intuición o golpe emocional, es lo que hace brotar la producción de Iván Marí.

 

   Las piezas que forman  “GOD´S PETS”, empiezan a surgir poco antes de Semana Santa de 2014. Iván Marí, desarrolla un especial interés por aquellos temas, que directa o indirectamente, la sociedad evita o por otro lado impone, cortando así la libertad del hombre (religión, sexo, temas tabúes…).  Por ello, introduce la religión en su creación artística, teniendo una producción muy amplia sobre esta temática. A pesar de que actúa como forma de rebeldía, por su desacuerdo con la iglesia, es muy cuidadoso a la hora de escoger las imágenes que luego transforma, descontextualiza, y comparte a modo de arte.

 

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God´s Pets

Del artista Iván Marí

En el espacio Otra Cosa

Hasta finales de febrero

En calle Teodosio 27, Sevilla.

 

Jueves, 12 Febrero 2015 00:00

Arte en Sevilla entrevista a Javier Artero

El artista Javier Artero muestra obra inédita en la sala de exposiciones EL BUTRÓN y nos concede una entrevista para conocer más sobre él y su obra.

 

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El artista Javier Artero muestra obra inédita en la sala de exposiciones EL BUTRÓN. El 13 de febrero de 2015 se inaugura la muestra "El Periplo", una exposición compuesta de 60 fotografías y 1 vídeo, fruto de la investigación de este joven artista durante el último año.

El artista nacido en Melilla, licenciado en Bellas Artes por la universidad de Málaga y Máster en idea y producción artística, nos concede una entrevista a este medio para poder saber más sobre él y nos ayuda a imaginar y comprender sobre lo que veremos este viernes.

Artero, para un rato entre el proceso de montaje para contestarnos a las preguntas que quisimos hacerle. Nos cuenta sobre su trayectoria, viajes y descubrimientos y como ha ido modificando su forma de ver las cosas y los planteamientos que acompañan sus obras.

Un archivo muy interesante.

 

 

 

 

Desde el miércoles 14 de enero del 2015

Hasta el sábado 28 de febrero del 2015

Exposición: Álbum familiar

Artistas: José Luis Valverde / Javier Valverde, Málaga 1987 / 1991.

Fecha: Del 14 de enero del 2015 al 28 de febrero del 2015 / Inauguración 14/01 a las 20hs. con los artistas presentes

Lugar: Hostel Lacajahabitada. Calle Crédito 20, Sevilla

Horario: de lunes a domingo, durante todo el día. Abierto 24hs

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Continuando la programación de exposiciones de artistas emergentes en el hall del Hostel Lacajahabitada, promovido por Plan Renove, se estrenan por primera vez en una exposición dedica a ellos, los hermanos malagueños José Luis Valverde y Francisco Javier Valverde, además de ser su primera exposición en Sevilla, con un tema en común, como es el concepto de la familia. Un álbum de familia representado desde visiones y estilos pictóricos diferentes, que consiguen aunar en una exposición la conexión artística que les vincula más allá del parentesco. En esas diferencias de producción creativa, hay que señalar, y como ellos mismo revelan, que trabajan en un mismo estudio "espalda con espalda", sin dejar que la pintura del uno interceda en la del otro, y viceversa.

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José Luis desarrolla su trabajo en base a la idea del fragmento, sacado del fotograma, como es el cine, para extraer un gesto o rostro humano. Pero este "trozo" de un instante o momento fotografiado, queda casi irreconocible, constante que se repite en la mayoría de sus obras, por el trato o proceso inicial que realizan con el lienzo. Y es que primero impregna con una capa de color negro, el virgen lienzo, sobre la que realiza, aun fresca, la forma representada con tonalidades frías, gama de colores restringida en los negros y azules.

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Francisco Javier, toma como base los espacios y los objetos de la vida cotidiana y, de este modo, potencia las extrañezas que estos le sugiere. Para ello abstrae el contexto de cada uno de ellos creando sus recónditas escenas, en los que prevalece la tonalidad verde. Escenas, que aun creadas de su imaginación, le traslada a aspectos que le son reconocidos o familiares. La elección del concepto de la exposición ha sido muy acertado, y es que su influencia artística les viene desde pequeños, ya que son hijos y nietos de artistas plásticos, de los que habrán absorbido su inquietud creativa.

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Además de la actual exposición, donde todas las obras están disponibles a la venta, José Luis formó parte, dos días después de la inauguración, de los seleccionados de la propuesta expositiva Bienal Universitaria Andaluza de Creación Plástica Contemporánea, BIUNIC 2015, que tiene lugar en la sala de exposiciones de la Fundación Valentín de Madariaga; y ambos también forman parte del proyecto expositivo "Causa o pretexto", seleccionado en Iniciarte 2013-14 Málaga, que se puede visitar en la Sala de Exposiciones El Palmeral de las Sorpresas hasta el 15 de febrero.

Sábado, 17 Enero 2015 00:00

Cabezas / Heads At the alcázar

Cabezas/Heads At the alcázar

Exposición de Luis Gordillo en los Reales Alcázares de Sevilla

Ayer finalizó en Sevilla, una muestra de esas que se quedan en las retinas, de las que no dejan indiferente. Una muestra que trazas las lineas conducturas de una de las figuras de mayor relevancia del panorama contemporéneo español, a traves de uno de los temas reiterativos en su obra plástica, Cabezas. Desde el día 16 de octubre de 2014 hasta el 9 de enero de 2015 pudo verse en los Reales Alcázares de Sevilla la exposición Cabezas. Luis Gordillo en el Alcázar.

Es una muestra que incluyen 60 obras del período comprendido entre los años 60 y pocos meses antes de la exposición, adsorbido de influencias de Pop Art, del que Gordillo es considerado el mayor exponente en España,el informalismo, el geometrismo, y el psicoanalisis.

 

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Luis Gordillo nació en Sevilla en el año 1934. Comienza a estudiar la carrera de Derecho por imposición paterna, aunque también los estudios de Bellas Artes en la Academia de Santa Isabel de Hungría de Sevilla en contra de la opinión paterna, y que nunca finalizaría. aún así Gordillo decide continuar su camino como artista a pesar de que no le agrada el ambiente de la Academia de Bellas Artes sevillana.

            En 1958 viaja a París donde descubre la pintura libre y minuciosa de Wols, entrando en contacto con el art brut, concebido por el artista francés Jean Dubuffet. Hasta 1963 se mueve en la corriente del arte abstracto y experimental, bien es cierto que nunca se considero un pintor abstracto.

            A su regreso a Sevilla nota un gran contraste entre la capital hispalense y la francesa, decide abandonar la carrera de Bellas Artes y regresar a Francia para aprender el idioma, deja temporalmente la pintura y de nuevo a España, vive de dar clases de francés.

            En 1959 Luis Gordillo realiza su primera exposición individual en Sevilla . Poco después decide ir a Madrid en busca de un ambiente cultural más plural, y es allí donde entra en contacto con el arte pop tras la exposición Arte de América y España celebrada en 1963, Contempló obras de Jasper Johns o Andy Warhol, entre otros, de los que lo que más le interesó fue la opción figurativa que se le presentaba frente al informalismo imperante. Es a partir de este momento cuando comienza a realizar sus dibujos automáticos, cada vez más figurativos.

            En 1963 comienza su relación con el psicoanálisis, en él, encuentra una relación natural con la pintura. En 1964, se realiza la primera exposición individual de Gordillo en Madrid, y define su obra como post- informalismo.

En 1974 Gordillo realiza su primera exposición antológica en Sevilla. Participa en la Bienal de Venecia de 1976.El mismo año expone en Barcelona donde se acuña la terminología gordillismo, de la mano de Calvo Serraller hacer el primer repaso balance del conjunto de la obra de Luis Gordillo. Expone en Arco´82. Configurandose así la vida artística del autor sevillano, con multitud de exposiciones, numerosos estudios y publicaciones, y un gran reconocimiento de su obra.

            Entre su larga trayectoria, se podría destacar una de sus últimas exposiciones, "Luis Gordillo 1965/2006",organizada en el Museo de Arte de Zapopan en México, y organizada por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla y la retrospectiva de su obra pictórica y fotográfica que le dedicó en 2007 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid; en la que el mismo Gordillo se hizo cargo del diseño de la exposición. En 2007 fue galardonado con el Premio Velázquez de Artes Plásticas, en 2012 El centro de Arte contemporáneo de Málaga expone Horizontalia de Luis Gordillo, y ya 2014 , en El real Alcazar de su ciudad natal la exposición “Cabezas” del autor sevillano, que hace un recorrido por su trayectoria zigzagueante y reiterada por este género. Un artista multidisciplinar y contemporáneo con todas las letras, que se adapta y adelanta a los nuevos tiempos en ocasiones, un autor comprometido con la creación, y sin duda, el artista sevillano más internacional del mundo contemporáneo.

 

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La muestra Cabezas/Heads Luis Gordillo en el Alcázar ha supuesto una linea a través de la evolución del artista contemporáneo sevillano más internacional, desde los albores de su creación, hasta la actualidad más inminente. Recuerdos que aquel primer informalismo, dela época donde el pop se hace imperante,del el estudio a través de la fotografía, el collage aunque la pintura, sea la técnica imperante, destaca el gusto por la técnica mixta y la investigación pictórica que caracterizan a este autor que a pesar de su avanzada edad, sigue sorprendiendo a la contemporaneidad y despunta en modernidad y ganas de crecer artísticamente de entre jóvenes promesas y artistas consolidados.

Hace ahora casi diez años, la exposición Pre-Gordillo goes to Paris se convirtió en uno de los primeros homenajes de la ciudad natal al artista. La muestra fue considerada como “un acontecimiento pictórico en la ciudad”, pues permitía poner en valor más de 150 obras realizadas por el artista en su primera época.

Ahora, una década después, Sevilla volvió a plantear una exposición de Luis Gordillo intentando mostrarle el respeto por su prestigiosa carrera. El lugar elegido, las salas del Real Alcázar sevillano, fundaciones como Cajasol y La Caixa, o el mismo patronato del Alcázar hicieron posible este evento de máxima magnitud artísticamente hablando, de recibo al autor sevillano afincado en Madrid, y especialmente importante como referente de la vanguardia del siglo XX y XXI.

 

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La elección de las “Cabezas” de Luis Gordillo, como argumento troncal de la exposición, responde al deseo de mostrar una de las temáticas más constantes en la trayectoria del artista. A veces en primer plano y en ocasiones sumergidas entre sus múltiples propuestas, las “Cabezas” siempre han acabado por aflorar a la superficie de tramo en tramo, como tomando aire, para después volver a permanecer en letargo hasta otro posterior despertar.

Esta línea queda patente en la selección de piezas que la exposición propone. Junto con el gran bloque de sus primeras “Cabezas”, realizadas a mediados de los años sesenta, y que suponen una aportación histórica al pop español, se mostrarán aquellas otras, igualmente carismáticas, que desarrolló durante los años setenta y ochenta, como el Trío gris y vinagre y Serie Luna. Apartado especial merecen igualmente las creadas en las últimas décadas, en las que de nuevo vuelven a surgir, de tanto en tanto, esas cabezas llenas de fuerza y con todos los registros del lenguaje pictórico de Luis Gordillo. La última obra de esta exposición, terminada hace escasos meses.

Luis Gordillo en la selección para esta muestra se centra en el uso del rostro humano o humanoide como un medio para explorar sus preocupaciones de siempre el rostro, las cabezas, como continentes y contenedores de las preocupaciones y el ideario creativo del artista. Convincente, autónomo e individualista, se muestra un creador cuyo estimulante, su trabajo creativo, pone sobre la mesa el psicoanálisis, la historia, el voyeurismo, la sexualidad o la violencia modo de reflexion interna sobre su propio yo, poniendonos ante el difícil dilema de mirarnos y sentirnos ante el espejo de nuestras vidas de las vidas de esas cabezas, que bien podrían ser suyas o nuestras.

 

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Luis Gordillo en Little Memories

“ El espectador ve en el cuadro lo que el pintor sabe, pero el alma del cuadro es lo que el pintor ignora”.

                                                                                              Agustín Israel Barrera García

 

Desde el viernes 24 de octubre del 2014

Hasta el viernes 28 de noviembre del 2014

Exposición: Arquitecturas inventadas

Artista: Juan Lucena, Córdoba 1987.

Fecha: Del 24 de octubre al 28 de noviembre del 2014 / Inauguración 24/10 a las 20hs. con el artista presente

Lugar: A pie de calle. Plaza Salesiano Don Ubaldo, 69-71, Bloque 1, Local 1, Sevilla

Horario: de lunes a viernes de 11 a 14hs.

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Es su primera exposición individual y ha sabido construirla sin temor a derrumbes. “Arquitecturas inventadas” es un proyecto fotográfico que surge en Mannheim (Alemania), donde residió hasta hace unos meses, en sus paseos en solitario por la ciudad mientras contemplaba los atrayentes edificios que le sugerían formas diferentes según la perspectiva del observador. Quizás ensimismado con las imágenes que se agolpaban en su mirada e inventadas en su mente, fue construyendo las imágenes que hoy podemos disfrutar en la muestra, que amplía con su reciente trabajo actualizado con la ciudad de Sevilla.

 

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Y es que Lucena no puede dejar de alzar la mirada y huir de esa “trepidante carrera de la monotonía” como explica el comunicador colombiano, Andrés Felipe González, que aporta a la exposición una interesante reflexión sobre el actual proyecto de Juan Lucena. Y es que “caminamos por las calles asumiendo el rol del ciudadano anónimo que debe andar hacia delante sin reparar en el otro. No distinguimos formas ni figuras, sólo obstáculos por esquivar para llegar a nuestra meta: una silla”. La invitación que genera esta muestra es tan sencilla como valiosa, parar y observar, mirar más allá de nuestra línea visual, levantar la mirada y hacer protagonistas de nuestras imágenes diarias a los edificios que crean el entorno de nuestras ciudades. Visualizarlos como obras de arte en sí, al antojo de cada uno, creandolas en el momento exacto.

 

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Juan Lucena, cursos sus estudios de grado medio de Laboratorio de imagen en el IES Néstor Almendros en Tomares y el grado superior de Fotografía Artística en la Escuela de Arte de Sevilla, se aventuró a la experiencia de vivir en el extranjero. En Alemania, Lucena se trasforma en una persona atenta y creativa, que no deja pasar desapercido los detalles de la vida y decide dedicar su primer proyecto fotográfico a la más temida de las técnicas fotográficas, la de arquitectura. Añade, además, la conceptualización de una idea, su idea de “Arquitecturas inventadas”.

Flora intestinal & Fauna vegetal es el nombre que recibe la exposición que inauguró el espacio ''Thinking company Gallery'' el pasado día 20 de Septiembre, en el pasaje Mallol nº10 de Sevilla.

En esta muestra los artistas Emilio Cerezo y Mish Laput han trabajado conjuntamente para traer desde Barcelona, su lugar actual de residencia, la que es su primera muestra en Sevilla.

 


 

Construida en tinta china, la exposición destaca por su fuerte presencia de detalles, aguadas y profundidad que, desde lenguajes tan diferentes como personales, transporta a quienes la contemplan a un mundo interior, imaginario, de fantasía y cábalas. Un mundo que estos grandes artistas han ido construyendo recogiendo fragmentos, órganos; descomponiendo el interior del cuerpo y enfrentándolo al entorno exterior, invadiéndolo. Ilustraciones en formatos A3 que se extienden por los testeros de la sala; detallistas, cuidados, mimados y repletos de simbología.

Emilio Cerezo, licenciado en bellas artes por la universidad de Granada, nos cautiva desde la distancia con las ilustraciones más pictóricas, en las que trabaja el proceso de degradación de lo orgánico. Expone el interior del cuerpo, entre formas ambiguas y órganos a los que añade aguadas de tinta que corrompen los trazos como jugos gástricos, y que nos atraen para contarnos, en la proximidad, la existencia de un universo paralelo, infinito, repleto de sutileza y formas que nos invitan a explorar la obra centímetro a centímetro.

Como balance, Mish Laput, licenciado en JOSO escuela de cómic e ilustración de Barcelona, hace patente su marca con una ilustración muy próxima a los lenguajes del cómic, donde rezuma destreza gráfica y nos desborda con detalles mínimos y composiciones divididas en escenas, planos donde juega con los puntos de vista y combinaciones geométricas que captan la atención como jeroglíficos a medio descifrar.

 


Dos lenguajes que han combinado hasta hacerse uno sólo aportándose narrativamente, entrelazando dos puntos de vista hasta generar una atmósfera envolvente. Presentados en ocasiones como obra compuesta por ambas caras de la moneda o como obra fecunda de la intervención de los dos artistas sobre el mismo soporte.

 

 

 

 

Una visita obligada al ''mundo de las maravillas'' donde lo orgánico y sus procesos -inventados- de descomposición y fauna ayudan a formar paisajes para la imaginación, que permanecerá abierta hasta el día 30 de Noviembre para aquellos rezagados que aún no la hayan podido disfrutar. 

 

Texto: Raquel Muñoz Hidalgo

Martes, 04 Noviembre 2014 00:00

"El elogio de la luz" de Norberto Gil

En la Galería Birimbao, se puede disfrutar de la exposición “El elogio de la luz”, del Artista Norberto Gil, desde el pasado 29 de Octubre hasta el 29 de Noviembre. 

Esta es la segunda vez que la galería trabaja con una exposición individual dentro de la larga trayectoria de muestra artística de Norberto Gil, teniendo su inicio en el año 1996. Esta puede destacarse por un especial interés en la Arquitectura.

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El Conjunto de obras “Elogio de la luz”, formadas por una serie de pinturas acrílicas en varios soportes, nos muestra distintos espacios arquitectónicos, vistos desde el interior.

Las composiciones trasladan al espectador a una especie de sueño, un mundo observado desde una fantasía, quizás por el juego que el artista muestra entre el interior y exterior,   creando una gran conexión entre ambos espacios.

 

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    Las obras ofrecen una armoniosa visualización, gracias a  módulos de colores. Estos son el resultado de esa conexión entre el espacio interior y el entorno natural en el que está situado, utilizando como herramienta de transformación las luces y sombras proyectadas en la imagen.

 

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Antonio Jiménez, Director de la AJG Galllery nos ofrece una visita guiada por la exposición "EXTRAÑA" de Francisco Reina. 

Un recorrido completo por la galería nos acerca a la intención del autor y la interpretación del galerista como comisario y director de la sala. Un punto de vista muy interesante, que nos ofrece más información sobre todos los detalles y matices que tiene esta obra, que se puede ver en la galería hasta el 31 de octubre. 

Esperamos que os guste.

 

ENTREVISTA A RAFAEL CRUCES TORNAY

 

En primer lugar, agradecer a Rafael Cruces Tornay, por conceder esta entrevista.

 

El artista, cursa su cuarto año de Bellas Artes, en la Universidad de Sevilla. Sus intereses por el mundo del arte se inician desde temprana edad, con especial interés por la pintura y la poesía.

 

  • De qué habla tu obra? De donde sale la inspiración?

Intento captar algo cotidiano del presente o del tiempo que vivimos, me gusta imaginar que algún día encontraran mis cuadros y sabrán ver en ellos como vivíamos, sentíamos y nos relacionábamos a principios del SXXI. “Fuera hace un día precioso” narra sobre la adicción cibernética. El cuadro de la pareja “sin título” muestra la posesión de la mujer sobre el hombre.

La inspiración la encuentro normalmente en la experiencia, me ayuda mucho copiar de maestros como Beckman, Nagel, Baselitz, Basquiat... cuando no encuentro la inspiración la busco en los demás. Otra fuente exterior de inspiración que utilizo es la televisión.

 

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  • Cuánto tiempo llevas trabajando en esta serie?

Un año, aunque la etapa más productiva fue en Junio. En dos semanas me saqué “fuera hace un día precioso” y “sin título”, son  con los que más satisfecho estoy hasta el momento, e intentaré seguir por esa línea.

 

  • Cual ha sido la trayectoria de tu creación artística? 

Apenas llevo 4 años pintando sobre lienzos y tablas, y buscando de alguna forma un discurso. Empecé pintando cuadros abstractos, muy atraído por el Informalismo en España, copiaba a maestros como Lucio Muñoz, Millares, Rivera, Tapies...

Después me interesé por un discurso más narrativo y empecé a trabajar esta serie, que es figurativa, aunque no he dejado de lado lo anterior.

 

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  • Que piensas del panorama del arte contemporáneo en la actualidad?

El mercado es amplio y exigente, ahora hay público para casi todo tipo de arte, claro que parece difícil prosperar en una ciudad como Sevilla. Aquí la oferta cultural es enorme, y el público responde bien, pero hace falta apoyo económico para que artistas y espacios emergentes puedan prosperar.

 

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    La Casa Ensamblá, C/ Clavellinas, 14, nos mostró la exposición de pintura de Luna García Moriana y de Rafael Cruces Tornay. Las pinturas se acompañan de la presentación de dos libros auto editados, por los artistas.

    Por un lado, Luna García, con una serie de pinturas abstractas, invade al espectador de grandes sensaciones, gracias a los colores y formas utilizadas, ha creado composiciones con las que consigue evadir al visitante e interpretar pensamientos subjetivos en cada una de sus obras.

    Rafael Cruces, deja ver un trabajo más figurativo, destacado por la expresión que adopta cada una de las pinturas. La obra del artista transmite una gran espontaneidad en el proceso, que comunica con el exterior un mundo personal lleno de curiosidades e historias abiertas a la interpretación del público.

 

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